Предисловие
Продолжаем разговор на тему "Домашняя студия звукозаписи на базе персонального компьютера и многоканальной платы ESI Waveterminal 192M". В предыдущих статьях были рассмотрены вопросы, связанные с конфигурацией аппаратного и программного обеспечения ПК, подготовка к записи и непосредственно запись. Теперь (предварительно выгнав из студии весьма поднадоевших музыкантов :-), можно "откинуться на спинку кресла" и перейти к обсуждению вопросов, касающихся обработки эффектами, сведения и мастеринга.Больная тема
Почему я не люблю писать про обработку эффектами? Тому есть две равновелико веские причины. Во-первых, потому, что музыканты обожают принимать в этом процессе непосредственное (и иногда крайне эмоциональное!) участие. С их точки зрения все выглядит приблизительно так: мы свое уже отпахали, а теперь сядем-ка рядом, и поглядим, чего это этот... звукорежиссер... станет творить с нашим замечательным произведением.Конечно, Вам решать, идти у музыкантов на поводу или нет. Но лучше все-таки, вежливо выслушав их рекоммендации и пожелания, отправить их... отдыхать. Иначе процесс получится долгим и болезненным, а результат - сомнительным. Обработка и сведение - это творческое ego звукорежиссера, это кульминация его работы, и сводить так, как Вам это нравится, соразмерно вкусу и таланту - Ваше неотъемлемое право и обязанность. Вообще-то окончательное решение - что и как должно звучать - в профессиональной студии всегда принимает продюсер. Но в домашней студии в 99% случаев продюсер и звукорежиссер - одно и то же лицо, то есть Вы.
Вторая же причина, по которой я не люблю писать про обработку эффектами, следующая. Довольно часто в публикациях, посвященных этому вопросу, встречаются рекоммендации типа: "Чтобы уменьшить "бочковатость" звука акустической гитары, приберите средние частоты на 3-4 дБ" или "Чтобы добавить рассыпчатости в звук барабанного железа, добавьте немного хоруса". Не ставлю под сомнение компетенцию авторов этих высказываний - в конце концов, они делятся с читателями собственным опытом, и никому ничего плохого не желают. Но ценность таких советов, по-моему, весьма относительна. В чем же дело?
Давайте рассмотрим приведенные выше цитаты по очереди. Первая - про акустическую гитару. Действительно, иногда гитара в записи может неприятно "бубнить". Но конкретная частота, на которой гитара "бубнит", зависит от размеров и глубины ее корпуса, и может оказаться вообще "внизу", а не "в середине". Добавьте сюда список, от которого также могут зависеть подобные артефакты: а) конструкция и качество гитары; б) тип микрофона; в) позиция микрофона при записи; г) акустические характеристики помещения. Отсюда вывод: "просто прибрать середину" - годится, imho, только для живого концерта, поскольку в линейке эквалайзера на недорогом пульте середина действительно одна. Рекомендация по обработке барабанного железа - из той же категории. Какое записывалось железо? В какие микрофоны? Какой (важно!) хорус (не пресет, а какой конкретно процессор!) применялся для обработки? Если у нас есть такая информация, тогда результат обработки будет предсказуем. Если же такой информации у нас нет...
Вывод прост. К таким советам следует относиться всегда с интересом, если есть свободное время - обязательно попробовать применить на практике, но принимать подобные высказывания за абсолют - ошибка. В том числе, уважаемый читатель, это касается и моих высказываний! Единственные советчики, на которые звукорежиссер может абсолютно полагаться, - это собственные уши и собственный опыт. Других - нет. Вот потому-то и не люблю я писать про обработку...
1001 пла(плу)гин
Появление на рынке звукозаписывающего софта DirectX и VST плагинов, их постоянно пополняющийся ассортимент - вещь весьма приятная. На рынок виртуальной обработки (ему, кстати, еще и 5-и лет не исполнилось!) уже вышли такие "гиганты", как TC electronics или Lexicon. Растет предложение. Растет качество. Но...От чего зависит качество звучания плагина? Естественно, от алгоритма обработки. Нетрудно предположить, что чем сложнее и качественнее алгоритм - тем лучше результат обработки, и тем больше аппаратных ресурсов такой плагин "пожирает". Сравните, к примеру, два ревербератора одной и той же фирмы - Sonic Founry DX Reverb и её же DX Acoustic Mirror. Хотя, с другой стороны, из этого правила есть исключения - бывают и отлично звучащие "быстрые" плагины (например, DSP FX Virtual Pack), и жуткие тормоза, ничего из себя не представляющие.
Во-вторых, качество звучания виртуальной обработки серьезнейшим образом зависит от качества звучания звуковой платы. Можете оверклокать свой процессор до космических скоростей, но использовать даже самый лучший плагин от самой серьезной фирмы на встроенном звуковом чипе материнской платы - абсолютно бесполезное занятие.
В-третьих, окончательный результат прежде всего зависит от квалификации звукорежиссера. Но если при работе в профессиональных условиях оборудование позволяет ориентироваться "только на слух", в домашней студии, где о качественном контроле звука говорить сложно, необходимо понимать - что делать в каждый конкретный момент, важно уметь соотнести изменения математических параметров обработки с ожидаемым изменением звуковой картинки. Особенно это важно на мастеринге, где просто крутить ручки, не понимая процесса, вообще глупо.
Теперь другой вопрос - а насколько похожа работа с виртуальной обработкой на работу с обработкой железной? Казалось бы, какая разница - только прибор "нарисован" на экране, и параметры "крутятся" при помощи мыши... Не торопитесь! Разница есть, и разница существенная. Звукорежиссер, работающий "живьем", одновременно может, например, подрезать эквалайзером верхние частоты, добавить реверберацию, подвинуть панораму - все это происходит гораздо быстрее, чем Вы читаете эти строки! Проходит буквально секунда - ага, понятно, эквалайзер возвращается на место, канал чуть прибрать... еще секунда для контроля - хорошо! При этом - заметьте! - осуществляется постоянный слуховой контроль всей звуковой картинки. Работа с виртуалами такой гибкости звукорежиссеру не дает. Исключения есть, но они подразумевают использование внешних контроллеров - из относительно недорогих можно указать, например, Novation ReMote ($395) - позволяющий назначать параметры виртуальной обработки на фейдеры прибора. В противном случае одновременно можно "шевелить" только один параметр одного плагина...
Из-за такой вот не очень удобной работы с параметрами эффектов у большинства нормальных людей появляется абсолютно здоровая реакция: никакие виртуальные ручки не крутить, и пользоваться исключительно фабричными пресетами. Подход понятный, но, к сожалению, неправильный. Фабричный пресет - это отличная "стартовая площадка", изучение фабричных пресетов с разными инструментами очень многое дает в плане освоения работы процессора. Но такого пресета, который бы идеально "вставал" в любой записанный трек любого музыкального произведения, конечно, нет. И у многих возникает соблазн - вместо того, чтобы научиться регулировать параметры данного плагина, просто установить в системе другой, потом третий, потом десятый... - и посмотреть - ну а вдруг там отыщется подходящий готовый пресет? Чисто по-человечески я этих людей понимаю. Но скажите - о каком "поиске собственного звучания", о каком творческом росте звукорежиссера может идти речь в случае такого стиля работы?
А сколько всего нужно плагинов звукорежиссеру? С одной стороны - так и хочется все перепробовать! А за одну инсталляцию не один плагин встает, а целый десяток или два! И вот уже меню DirectX (вариант - VST) разрослось до невероятных размеров... Вот сейчас пообрабатываем... Где тот компрессор? Найти не могу... Нет, не этот... Синенький такой... Ой, а что это компьютер опять повис?
Запомните: чем больше одновременно работающих программ, тем медленнее работает любая операционная система. И, кроме того, ни одна фирма, производящяя секвенсеры или программы для нелинейного монтажа, не станет тестировать свой продукт на случай сказочной ситуации "1001 плагин, установленный в системе". Вспомните любую "настоящую" студию. Вы там когда-нибудь видели рэк... ну, хотя бы с пятьюдесятью приборами обработки? Нет? И я - нет... А поэтому давайте остановимся на каком-нибудь разумном количестве виртуальных процессоров. Подберем каждый плагин, чтобы звучал хорошо, чтобы работал "без глюков", чтобы интерфейс нам нравился. Ну, например, так:
* Эквалайзер поканальный - 1 шт. Много полос не надо, лучше параметричекий.
* Компрессор/гейт поканальный - 1 шт.
* Ревербератор - 1 шт.
* Дилей - 1 шт.
* Хорус/Фленжер/Фэйзер/Вау - 1 шт.
* Дисторшн/овердрайв - 1 шт.
* Для любителей современной музыки - фильтр (2-3 шт. разных, например обычный, шаговый, с огибающей)
* Для вокалистов - автотюнер - 1 шт.
* Вокодер - а вдруг понадобится? 1 шт.
* Эквалайзер для мастеринга - 1 шт. Здесь полос можно и побольше.
* Компрессор для мастеринга - 1 шт. Лучше многополосный.
* Эксайтер - 1 шт.
* Анализатор спектра - 1 шт.
Данный список, опять-таки, не абсолют. Изменения вносить вполне можно - кому-то понадобится Antares Microphone Modeller, кому-то - Waves Doppler. Но вышеприведенного списка в 99,99% случаев хватит! В конце концов, когда Маркс писал о "количестве, переходящем в качество", он явно не имел в виду программную обработку звука :-) А уж каких фирм плагины выбирать - решать Вам. И еще - пиратство интеллектуальной собственности - это плохо, и рано или поздно вернется к вам бумерангом (кто-то будет воровать результаты вашей работы). Поэтому по возможности приобретайте лицензионное ПО.
Обработка "вблизи"
Легко профессиональному звукорежиссеру - приступая к работе с виртуальной студией, он просто использует программные аналоги тех приборов, с которыми он привык и умеет работать. Но ведь далеко не всегда владелец домашней студии - профессиональный звукорежиссер или музыкант. Более того, уже подрастает целое поколение, которое изначально знакомо только с программной обработкой, а о существовании обработки "железной" знает только "из газет"...Итак, динамическая обработка сигнала - компрессор (в предельном случае - лимитер). Прибор, позволяющий уменьшить динамический диапазон сигнала, если последний превышает некий заданный уровень. Я намеренно не буду говорить о динамической обработке более подробно - желающие найдут специализированную литературу. Следующий алгоритм - панорамирование. Здесь все более-менее понятно: каждый источник может быть установлен в определенном месте стереокартинки. Представим себе, что нам нужно записать дуэт двух гитаристов, один из них играет перебором, второй - боем. Подключаем каждого через свой компрессор. Затем - разводим две дорожки по панораме (не слишком сильно). И переформировываем звуковую картинку таким образом, чтобы две гитары слегка различались тембрально - для этого у "бряцающего" гитариста немного подрежем низкие частоты (они ему все равно не нужны), а у играющего перебором, наоборот, чуть подрежем верх - так, чтобы стала более заметной игра на басовых струнах. Наконец, поместим наших исполнителей в пространство, добавив немного реверберации.
В дальнейшем на сведении практически с каждой дорожкой придется произвести все вышеуказаные операции - компрессию, панорамирование, эквализацию (заметьте, она выполняет три функции: усиливает "жизненно важные" для данного инструмента частоты, "отделяет" один инструмент от другого тембрально и удаляет-приближает инструмент в пространственном поле, ибо чем больше у одинаковых инструментов низвких частот, тем ближе они к нам по слуховому ощущению), и, наконец, реверберацию. В случае большого количества дорожек, нам, скорее всего, захочется поместить одни инструменты чуть дальше, другие - чуть ближе. Вспоминаем о том, что с увеличением расстояния от источника звука громкость уменьшается, высокие частоты гаснут интенсивнее (то есть, верх надо подрезать), а время реверберации увеличивается (на самом деле тут все немного сложнее, но для понимания ранних отражений я снова отошлю читателя к учебникам).
Таким образом, в определенной степени можно говорить о естественном наборе эффектов для обработки - компрессор, панорама, эквалайзер, ревербератор. Всё прочее - гейт, хорус, вау, фленжеры, вокодеры и т.д. - можно отнести в разряд "украшений". Исключение составляет, пожалуй, только дилей - в современной музыке он используется чаще всего как спецэффект, а вообще иногда бывает полезно подмешать дилей к ревербератору, особенно при обработке пассажей с острой атакой у струнных или духовых.
Скока граммов вешать?
Ну ладно, вроде как с обработкой немного разобрались - для чего она нужна и зачем. Осталось только выяснить - а сколько ее надо применять, этой обработки? Если Вам когда-либо доводилось скачивать midi-файлы из Интернета, Вы, наверное, обращали внимание на минусовки, у которых на всех дорожках по умолчанию ревербератор и хорус выведены на максимум? Ну так вот, столько обработки применять не надо никогда. Я бы посоветовал придерживаться следующих правил:* Не надо "топить в ревере" вокалиста или соло-гитару. Сначала кажется, что симпатично и красиво. В итоге получается каша.
* Не надо "густо намазывать" аккордовые подклады фазовыми эффектами, типа фленжера, в особенности если с контрольной акустикой у Вас проблемы. При прослушивании на нормальной аппаратуре Вам захочется убежать от такого звука.
* Не надо украшать все подряд. Подчеркните вкусной обработкой необходимые партии. Остальное - это фон, он и должен быть фоном.
* Применяя отдельный ревербератор на малом барабане, не забудьте отрезать ему хвост гейтом, иначе он забьет все, что надо, и все, что не надо. Однако, выставляя регулировки гейта, строго следите за тем, чтобы исчезновение хвоста попадало в темп и вообще отсутствовало в концовке песни.
* Грубейшая ошибка - в клавишных партиях использовать ревербератор midi-синтезатора вместо педали сустейна (#64) или релиза огибающей (#73). Ревербератор - эффект пространственный, и использовать его просто для продления звука - неверно.
Сведение
Первый совет: прежде чем приступить к сведению - обязательно отдохните. Ни в коем случае не бросайтесь сводить проект, закончив запись. От ошибок не застрахован никто. Кроме того, за время работы над записью и обработкой уши адаптируются, "привыкают" к звуку, и оценка звучания уже не будет корректной. Наконец, добавьте сюда элементарную физическую усталость - как известно, чувствительность человеческого уха, особенно на большой громкости, со временем падает, особенно в области высоких частот, и есть риск, закончив вечером работу над проектом, при прослушивании с утра оторопело прошептать: "Ё-моё, чего ж я понавертел-то?!". Так что запишите проект и... оставьте его дня на два или три в покое. Главное, не забудьте к нему вовремя вернуться! :-)От поэзии - к прозе. Сведение в домашней студии - процесс специфический. Я уже рассказывал о том, что сведение с использованием "железной" обработки и хорошего микшерного пульта при задействовании всех выходных каналов звуковой карты всегда звучит лучше, чем результат нажатия кнопки "Mixdown" внутри секвенсера. Но, поскольку железным оборудованием домашние студии никогда особо похвастаться не могли, давайте-таки посмотрим - а существует ли разница в качестве сведения между различными компьютерными программами?
"В теории" процесс сведения треков проекта в обычную стереопару - обычное арифметическое суммирование, где 2+2 всегда 4, а 4+5 всегда 9, то есть результат процесса сведения у различных программ должен быть одинаковым. На практике это абсолютно не так! Разные фирмы используют разные подходы к тому, какой алгоритм и какой точности использовать для "применения" эффектов и итогового сведения треков, соответственно и результат сведения тоже оказывается разным.
Например, весьма популярный Sonar (он же Cakewalk) при сведении отличается исключительной неудобоваримостью. Судите сами: записывается проект, запись 24-битная, звуковая карта профессиональная, и все звучит замечательно... вплоть до того момента, когда экспортируется стандартный 16/44 файл для нарезки на CD. Разница в звучании буквально "бросается в уши": итоговый вариант звучит резче, жестче и агрессивнее. Если же мы просто экспортируем каждую дорожку в отдельный wave-файл, и смикшируем их, к примеру, в SAW Pro или в Samplitude, результат будет звучать намного приличнее.
Как-то мне довелось обсуждать вопрос о внутрипрограммном сведении в форуме интернет-портала "Артефакт" (www.artefakt.ru). Мы с Дмитрием Крупским проверили каждый по паре программ (надо бы побольше) - он сравнивал сведение в Cubase VST и Samplitude 2496 v.6, а я - в Cakewalk Sonar и в SAW Pro 2.6. Из этих программ только Sonar не использует переконвертацию (оверсемплинг) файлов, и звучание восьмитрекового проекта, сведенного в SAW Pro, существенно отличалось в лучшую сторону от того же проекта, сведенного в Sonar. Но это было ожидаемо. А вот в случае сравнительного сведения в Cubase VST и в Samplitude, Cubase показал гораздо лучшие результаты, что, в частности, доказывает, что суть вопроса о странностях программного сведения "гнездится" гораздо глубже, чем в области простой арифметики. Можно было бы поспрашивать фирмы-изготовители, но вряд ли они станут нам что-то объяснять :-)
Опять и снова ничего советовать не стану, делайте выводы сами. Кому-то просто неудобно записывать материал в одной программе, а сводить в другой. Кому-то тяжело осваивать интерфейс новой для него программы (иногда это бывает сделать трудно даже при отличном знании великого и могучего английского языка!). Всякое бывает. Но если вдруг Вы сталкиваетесь с тем, что прилично (до сведения!) звучавший проект начинает "отдавать металлом", попробуйте пересвести его в другой программе. Помогает.
В заключение - стандартная последовательность операций на сведении. Возьмем для примера традиционный коллектив: "ударник, ритм, соло и бас/ и конечно же, ионика", плюс вокал - куда от него денешься? Существует несколько классических подходов. Вот один из них:
1. Начните с ритм-секции. С помощью компрессии и эквалайзера добейтесь правильного звучания пары "бочка-бас". Затем наложите рабочий барабан/обод (sidestick) и, применяя эквалайзер, дилей и вспомогательную реверберацию, добейтесь необходимого звука основных инструментов ритм-секции. Затем выберите главный реверберационный эффект (который затем будет использоваться на всех каналах для создания общей пространственной атмосферы) и подберите его необходимые параметры. В заключение добавьте правильно спанорамированные и частотно разведенные "железо" и томы.
2. Теперь добавьте ритм-гитару. Откомпрессируйте её и уложите в общее панорамирование с "железом". Ни в коем случае не увлекайтесь всякими украшательствами ритма, типа дилея или хоруса.
3. Поверх ритм-секции наложите основной вокал. Подкрасьте его темповыми задержками (чуть-чуть, совсем неслышно, буквально на уровне спинномозговых ощущений), выделите частотные форманты, расположите на переднем плане с помощью основного ревербеорационного эффекта.
4. Добавьте соло-гитару. Обыграйте эффектами, вплетающимися в ткань вокала. Разведите по частотам соло-гитару, её эффекты и ритм-гитару.
5. При помощи эквалайзера заставьте ритм-гитару "частотно не мешать" вокалу и соло-гитаре.
6. Введите в картину клавишные соло, сбалансировав их с вокалом и соло-гитарой по частотам и пространству.
7. Добавьте сведенные в группы подпевки. Отправьте их "за забор" по пространственному положению и тембру.
8. Если всё и так звучит хорошо - выкиньте половину клавишных подкладов. Оставшиеся введите в звуковую палитру. Послушайте получившийся результат. Выкиньте половину из того, что оставили :-)
9. На каждом этапе корректируйте все предыдущие шаги.
10. Приведите количество основной реверберации на каждом канале в нормальный баланс.
11. Поешьте, поспите, послушайте и отлакируйте полученное. Если лакировка не дает желаемого результата - начните снова с шага 1 :-)
12. ВНИМАНИЕ!!! На каждом этапе обязательно проверяйте фонограмму на монофоническую совместимость. Если этого не делать - фазовые проблемы могут совершенно исказить весь результат вашей работы, не позволив насладиться нетленкой в условиях прослушивания, отличных от условий сведения.
Премастеринг
Премастеринг - это последний шаг при подготовке фонограммы к сбросу на носитель, последний шанс поправить какие-либо ошибки. Поэтому, если у Вас есть такая возможность, премастерингом проекта всегда лучше заниматься в профессиональной студии. С одной стороны, это стоит недорого. С другой стороны, у Вас есть возможность воспользоваться а) качественной аппаратурой для мониторинга и обработки; б) помещением с правильной акустикой; в) услугами профессионального звукорежиссера, что тоже немаловажно. Поверьте - если Вы отнесете запись для премастеринга в "настоящую" студию, Ваша профессиональная репутация ничуть от этого не пострадает, а результат работы будет гораздо выше.Если Вы все-таки решили "мастерить" запись сами, для начала... опять отдохните. Послушайте пару-тройку хороших записей, лучше в стиле, близком к тому, в котором записан Ваш проект. В конце концов, в том и есть одна из прелестей домашней студии - это не конвеер, где каждый час работы стоит больших денег. Лучше всего, если, приступая к премастерингу, Вы уже окончательно забудете - что за произведение Вы записывали, и вообще забудете, что записывали его Вы. Беспристрастность, достойная председателя Конституционного Суда - вот что потребуется от Вас в первую очередь.
Обычно окончательная обработка фонограммы включает в себя компрессию и эквализацию, иногда - расширение стереобазы или использование психоакустических приборов типа эксайтера. Вы можете использовать как DX или VST-плагины (например, Waves C4 Compressor или BBE Sonic Maximizer), так и отдельные программы, предназначенные для мастеринга (T-Racks). Если Вы не уверены в правильности своего выбора - пробуйте различные варианты мастеринга, программы, пресеты, отслушайте полученные результаты на разных акустических системах (скорее всего, придется погулять по друзьям :-), а затем выберите тот, который Вам больше всего по душе. Напоследок несколько советов:
* Уберите из микса все частоты, в качественном контроле которых Вы не уверены. Если Ваши мониторы не позволяют контролировать низкие частоты - смело обрубайте где-то герц до 65, а то и выше. Работу это не испортит, а вот от "неожиданностей" при прослушивании на профессиональной акустике убережет.
* Бытовые АС часто характеризуются завышенным уровнем верхов, и на профессиональной аппаратуре фонограмма, сведенная на таких колонках, может звучать "блекло". Поэтому, если в качестве мониторов Вы пользуетесь бытовыми акустическими системами - немного приподнимите высокие частоты эквалайзером или используйте эксайтер (чуть-чуть, лично я предпочитаю последнее).
* Старайтесь не использовать "дежурный" эквалайзер всех времен и народов - задран верх, задран низ, середины нет. Если Вы, вдобавок к этому, еще и сильно "зажмете" сигнал компрессором и нормализуете фонограмму "под ноль" - получите классический вариант а-ля 10X.Y FM. На ваших мониторах, вполне возможно, это зазвучит. Но при попытке разместить подобную фонограмму на том самом 10X.Y или на ТВ слушателю гарантирована бездна неоднозначных ощущений :-)
* Остерегайтесь сочетания сильной компрессии с подъемом низких и высоких средних (2k -3k) частот. На бытовых АС такой эффект может добавить "мощи", в случае записи рок-музыки на это можно "купиться". Не торопитесь: на профессиональных АС звук получится режущий и противный, а вот никакой мощи там и в помине не останется.
* Если не уверены в собственных ушах и контрольной акустике (хотя, если уверены, тоже не повредит :-), посмотрите, как Ваша фонограмма выглядит на анализаторе спектра. Подозрительно "бугристая" или, наоборот, "дырявая" картинка - еще не повод для паники и судорожного накручивания ручек мастер-эквалайзера, но серьезная причина, чтобы отдохнуть и еще раз внимательнейшим образом отслушать все еще раз, от начала до конца.
* Последний совет: всегда лучше недоложить, чем переложить. Подходите к окончательной обработке фонограммы, как хороший повар - к приготовлению любого блюда. Соль с перчиком добавлять, конечно, надо, но лучше не перебирать с дозировкой. Кому не по вкусу - на этот случай на каждом столике есть солонка и перечница. Точно так же у каждого звукорежиссера на радио, ТВ или в концертном зале есть свой эквалайзер и свой компрессор.
Испекли мы каравай...
Как правило, чем больше разных типов носителей поддерживает студия, тем лучше. Джентельменский набор для домашней - аналоговый магнитофон (я не про музыкальные центры!), мини-диск и CD-рекордер. В настоящее время наиболее доступны по цене и наиболее популярны именно CD-резаки, так что сперва поговорим о них.С одной стороны, по скорости и удобству работы CD-R намного опережает компакт-кассеты и мини-диски. Более того, наличие "резака" позволяет не только создать аудиодиск с записанными песнями, но и сбросить многотрековый, несведенный вариант проекта. В случае, если у группы в дальнейшем появится возможность пересвести записанный материал в профессиональной студии, за подобную предусмотрительность музыканты лишний раз скажут Вам спасибо. Совет: в другой студии иногда работают с другой секвенсорной программой и другой обработкой :-) Поэтому экспортируйте только wave-файлы отдельных дорожек, без обработки, плюс текстовую раскладку - в каком файле что записано.
С другой стороны, как бы не была соблазнительна идея печь компакты, аки блины, на собственном ПК, лучше не обольщайтесь. Надежность работы бытовых "резаков" и долговечность болванок все еще находится на крайне низком уровне. Недаром профессиональные приводы CD-R стоят намного дороже бытовых. Подумайте о том, в какое положение Вы поставите музыкантов, если при предварительном прослушивании записи для размещения на радио после 10 секунд проигрывания трек остановится, а CD-проигрыватель, немного подумав, выдаст надпись "No disk". Поэтому, выбирая CD-рекордер, никогда не покупайте самый дешевый - как гласит пословица, "мы слишком бедные люди, чтобы покупать дешевые вещи". С должной тщательностью подходите к выбору болванок для записи - надежность, долговечность, наконец, качество звучания у продукции различных фирм разная. К сожалению, с должным вниманием к этой проблеме пока относятся только аудиофильские журналы - "Стерео&Видео", "Аудиомагазин" и даже "Автосалон" - там время от времени проводят сравнительные тесты различных марок CD-R. Наконец, сделайте еще одну копию проекта - для себя. Поскольку музыканты - народ творческий, и ситуация "на последнем сейшне кому-то послушать дал, а кому - не помню" совсем не редкость, у Вас вполне может оказаться лишний шанс а) прослыть отцом родным местным рокерам; б) содрать с музыкантов еще несколько убитых енотов за восстановление :-)
Теперь - о компакт-кассетах. Как это ни удивительно, но при всех своих недостатках до сих пор аудиокассета остается самым массовым, самым неприхотливым и самым надежным носителем. В любой cтудии, на любой радиостанции, в любом кабаке и практически в любой квартире есть магнитофон (по крайней мере, на необъятных просторах Российской Федерации). Если у кассеты раскололся корпус - пленку можно переставить в другой, если лента порвалась - ее можно склеить. Цифровые носители такой неприхотливостью похвастаться, увы, пока не могут - если диск не читается, то... Да покоится с миром! А по долговечности магнитной пленке просто нет равных. Так что убедите музыкантов, что лишняя копия на аудиокассете им тоже не повредит. Распространенные предрассудки типа "кассеты шипят" меня просто удивляют - радио тоже шипит, так что же, его никто не слушает? Используйте дорогие кассеты с хорошей пленкой, плюс нормальный (хотя бы HiFi) магнитофон, и все будет Ok.
Да, и еще напоследок. Домашняя студия - она все-таки студия, хоть и домашняя. Но ни в коем случае не тиражный комплекс! Иногда наивность (или наглость?) некоторых исполнителей превосходит всяческие рамки: "мы принесем 100 болванок и 100 кассет, сделаете нам копии? А что, мы же заплатим!". Слов нет, одни эмоции... Понятно, что себестоимость оборудования домашней студии достаточно низка (по профессиональным меркам!). Но с точки зрения ее владельца это совсем не так! А износ оборудования на тираже (даже небольшом) в итоге выльется Вам в куда большие издержки, чем в состоянии себе представить Ваши заказчики. Рекомендация: ... в смысле, вежливо откажите :-)
С уважением, Червяков Александр. Артефакт.